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Feminist Art: The personal, every day more political.

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Ana De Orbegoso                 Peru            
Annette Turrillo                     Venezuela
Angela María Restrepo        Colombia
Catalina Jaramillo Quijano  Colombia
Celina Portela                      Brazil
Claudia Casarino                 Paraguay      
Colectiva Hilos                    Mexico
Isabel Guerrero Encinas     Mexico
Judith Romero                    Mexico
Natalia Revilla                     Peru
Nereida Apaza Mamani     Peru
Nicole Mazza                     Argentina
Silvia Levenson                  Argentina

The cis-hetero-patriarchal capitalist system that we live in is made possible through the oppression of women, therefore, the free exercise of our right to a life without violence is incompatible. This system is based on the control over the lives and bodies of women and people with feminized bodies who are exploited for the benefit of a segment of the population. It operates within a structure that infiltrates all areas of society: public and private spaces, religious institutions, the State, family, etc. Spheres that reproduce the dominant patterns through the normalization of sexism and misogyny with the intention to remain in power. As women and people with non-hegemonic bodies, we have generated various ways to defend our right to life through different strategies, languages and actions. In this exhibition, art acts as a space for reflection through a feminist lens; a feminist art that appears as a catalyst for action, as a political posture and as a proponent for other ways of representation.

The rise of feminist movements in the Americas has been made evident with the multiple marches of women, we have taken to the streets to make ourselves visible and claim our rights. Decades of militancy in different spheres have achieved the decriminalization of abortion in Argentina and have succeeded in creating massive protests that have broken historical records such as the last 8M in Mexico City and the Women's March in the United States. The momentum generated by these actions was shattered by the Covid-19 pandemic by relegating women to the household once again. Confinement has reinforced gender roles that we had managed to transform to some extent. With this, the private space and the power relations that are at play have gained even more relevance.

Throughout the continent and as a result of the current pandemic, women and girls have been forced to spend longer periods of time with their aggressors at home. Reproductive labor, all the work involved in sustaining life such as cooking, cleaning, caring for, etc. (Federicci), has multiplied and remains on women´s shoulders as it has for centuries. This has led to an increase in domestic violence, including conjugal violence and also towards children. The number of femicides continues to increase and the State has disregarded its responsibility to safeguard women's rights with the excuse of addressing the Covid-19 pandemic, and not violence against them. As feminist artists, we continue to speak about the domestic space because of its importance in our present, where we find ourselves confronted with reformulating other ways to inhabit this place.

This exhibition portrays five recurring themes in which the artworks are inscribed: the home, the body, language, the visibility of women and the use of textiles as a support. By representing bodies, subjectivities and relationships in non-hegemonic ways, the artists vindicate the political dimension of private life. We start with intimacy through Angela Restrepo’s series of engravings that reflect moments shared by a couple, individuals and with third parties. The house as a solitary and load-bearing space can be seen in the works of Claudia Casarino, Celina Portella and Silvia Levenson, exhibiting everyday elements that threaten the freedom of women. Motherhood and women´s agency over their bodies is put into question with the series of Judith Romero: "Women: The decision of not having children." Project that also talks about care, a theme shared by Nereida Apaza who questions breastfeeding as the sustenance of humanity. Thus, positioning care in the political sphere as being part of reproductive labor by its essentialness for the sustenance of life.

Feminisms constantly question the use of dominant language, the creation of meaning and signifiers, for its inherent power to name the world and, hence, the possibility of creating the Other. In "20 words" Natalia Revilla discusses this concept, decentralizing The West from being the norm when representing words in Mtsiguenga, one of the 48 indigenous languages of Peru, which do not have a translation in Spanish. Along the same lines of language, Nereida Apaza and Isabel Guerrero take up schoolwork notebooks and textbooks from the sixties respectively, as starting points to reflect on the school as an institution that perpetuates gender stereotypes through its pedagogical content.

One of the main objectives of the feminist movement is to render visible women´s experiences, knowledge and contributions. Hereby, Catalina Jaramillo and Annette Turrillo present us projects where the expertise regarding alchemy and science generated by women is valued and the feminine lineage is honored.

Finally, the use of textiles is a recurring element within feminist strategies that seek to redefine tasks associated with the feminine, such as weaving, sewing and embroidery. Nicole Mazza and Ana De Orbegoso make use of symbolism to question and subvert social codes associated with women inscribed in popular culture. Colectiva Hilos reappropriates the public space using feminist tools such as accompaniment, using art as a place for healing, and public demonstrations, which materialize in the creation of large-scale collective weavings. They occupy public plazas to protest and visibilize the problem of violence against women and forced disappearances in Mexico with the support of citizen participation.

Art and the feminist movement have gone hand in hand since the beginngin. The power that artworks have to challenge the public has a greater and collective objective: to question and thereby help in the transformation of our context so that women and girls can enjoy a life without violence. Feminist art is a political act.

Cerrucha 4/3/2020

Cerrucha (Mexico, 1981) is a feminist artivist working with photography, performance, and intervention of public space. Relational aesthetics are the core of her participatory projects, where she explores the social construct of Otherness.

Arte Feminista: Lo personal, cada día más político

La opresión de las mujeres sostiene al sistema capitalista cis-hetero-patriarcal bajo el cual vivimos, por lo que el libre ejercicio de nuestro derecho a una vida libre de violencia resulta incompatible. Este sistema está cimentado en el control sobre las vidas y cuerpos de las mujeres y personas con cuerpos feminizados quienes somos explotadxs para el beneficio de una parte de la población. Opera con una estructura inscrita en todos los ámbitos de la sociedad: espacios públicos y privados, instituciones religiosas, el Estado, la familia, etc. Esferas que reproducen los patrones dominantes a través de la normalización del sexismo, la misoginia y el machismo, con el objetivo de mantenerse en el poder. Las mujeres y personas con cuerpos no hegemónicos hemos generado varias maneras de accionar y defender nuestro derecho a la vida desde diferentes estrategias, lenguajes y ámbitos. En esta muestra el arte actúa como un espacio para la reflexión desde una postura feminista; un arte feminista que aparece como catalizador y acción, como posicionamiento político y representación desde otros lugares de enunciación.

El auge de los movimientos feministas en las Américas se ha hecho palpable con las múltiples marchas de mujeres que hemos salido a tomar las calles para visibilizarnos y reivindicar nuestros derechos. Décadas de militancia en diferentes ámbitos han logrado la despenalización del aborto en Argentina y que las mujeres salgamos a las calles en números que han roto récords históricos como el pasado 8M en la Ciudad de México y el Women´s March en Estados Unidos, acciones que generaron un ímpetu que se rompió de tajo con la pandemia del Covid-19 al relegar nuevamente a las mujeres al ámbito del hogar. El confinamiento ha reforzado los roles de género que habíamos logrado transformar en cierta medida. Con ello, el espacio privado y las relaciones de poder que en él se juegan, hoy toman más relevancia que nunca.

A lo largo del continente las mujeres y niñas se han visto conviviendo largos periodos con sus agresores en casa, las jornadas de cuidados se han multiplicado y la demanda por sostener la vida de lxs otrxs ha incrementado. Esto ha derivado en una alza en la violencia doméstica incluida la conyugal y también hacia las infancias. El número de feminicidios sigue aumentando y el Estado se ha desentendido de su responsabilidad de salvaguardar los derechos de las mujeres con la excusa de atender la pandemia del Covid-19, y no la de la violencia en contra de ellas. En tanto que artistas feministas, seguimos hablando sobre el espacio doméstico por la importancia que éste tiene en nuestras vidas y en el presente, donde nos encontramos confrontadas con formular otras maneras de habitar este espacio.

La presente exposición observa cinco temas recurrentes en los que se inscriben las obras: el hogar, el cuerpo, el lenguaje, la visibilización de las mujeres y el uso del soporte textil. Al representar los cuerpos, las subjetividades y los vínculos de formas no hegemónicas, las artistas reivindican la dimensión política de la vida privada. Partimos desde la intimidad como la muestra Ángela Restrepo en una serie de grabados que reflejan momentos en pareja, individuales y con tercerxs. La casa como espacio solitario y de carga se aprecia en las obras de Claudia Casarino, Celina Portella y Silvia Levenson, exhibiendo elementos cotidianos que atentan contra la libertad de las mujeres. El cuestionamiento sobre la maternidad y la agencia en el cuerpo de las mujeres lo vemos palpable en las imágenes de Judith Romero con la serie: “Mujeres: La decisión de no tener hijos.” Proyecto que también toca el punto de los cuidados, tema compartido por Nereida Apaza quien cuestiona el amamantar como el sustento de la humanidad. Así, posiciona a los cuidados en el ámbito político por ser el principal trabajo asignado a las mujeres y del cual se nutre el capitalismo cis-hetero-patriarcal por ser el que posibilita la vida.

Los feminismos constantemente cuestionan el uso del lenguaje dominante, la creación de significados y significantes, por el poder que tiene para nombrar al mundo y con ello la posibilidad de crear Otredades. En “20 palabras” Natalia Revilla debate sobre este concepto descentralizando a Occidente de ser la norma al representar palabras en Mtsiguenga, una de las 48 Lenguas del Perú, que en español no tienen traducción. En esta misma línea del lenguaje, Nereida Apaza e Isabel Guerrero retoman cuadernos de tarea escolar y libros de texto de los sesentas respectivamente, como puntos de partida para reflexionar sobre la escuela como una institución que perpetúa los estereotipos de género a través de su contenido pedagógico.

La visibilización de las mujeres, nuestras vivencias, conocimientos y aportaciones, son uno de los principales objetivos del movimiento feminista. Para ello, Catalina Jaramillo y Annette Turrillo nos presentan un panorama donde la sabiduría acerca de la alquimia y la ciencia generados por mujeres es valorada y el linaje femenino es honrado.

Por último, el uso del soporte textil es un elemento recurrente dentro de las estrategias feministas que buscan resignificar las labores asociadas a lo femenino, como lo son el tejido, el cosido y el bordado. Nicole Mazza y Ana De Orbegoso hacen uso del simbolismo para cuestionar y subvertir códigos sociales asociados a las mujeres inscritos en la cultura popular. La Colectiva Hilos se reapropia del espacio público empleando herramientas feministas como son el acompañamiento, la sanación y la manifestación pública, que se materializan en la creación de tejidos colectivos de gran escala. Con el apoyo de la participación ciudadana ocupan plazas a manera de protesta para visibilizar la problemática de la violencia contra la mujer y las desapariciones forzadas en México.

El arte y el movimiento feminista van de la mano desde sus inicios. El poder que tienen las obras para interpelar al público tiene un objetivo mayor y colectivo: el cuestionar y con ello ayudar en la transformación de nuestro contexto para que las mujeres y niñas podamos gozar de una vida libre de violencia. El arte feminista es un acto político.

Cerrucha 4/3/2021
Cerrucha (México, 1981) es una artivista feminista que trabaja con fotografía, performance e intervención del espacio público.

Feminist Art: The personal, every day more political.

Santiago Beruete writes in his book Jardinosofía, a philosophical history of gardens: “There is a water lily from the Amazon called Amazonian Victoria. At sunset, Helios, godfather of logos, the thorny bud of the flower comes out of the water and opens. Its fragrance attracts insects. After a while it closes again. The trapped insects spend the night there and pollinate the flower. The first night the water lily flower is white. When it reopens the second night it turns red, as if it were intoxicated. This change in color is surprising. "

Amazonian Victoria is the metaphor for how I think about collecting. To introduce art made by female artists to a collection is to allow oneself to open one's eyes to different narratives, with content that can only be enriched, colored and pollinated by the female gaze through the body of a collection.

There are three reasons why I consider that the art made by women expands, in every sense of the word, my collection and it is these same reasons why I recommend acquiring pieces that will allow any collector to open, investigate, discover and suffer (in a good sense) that coloration that can only be provided by art made by women.

The first reason is that I find that female sensitivity, on any subject, expands the spectrum of appreciation. The feminine gaze has a very special sensitivity to the aesthetic, to beauty, and allows us to read with very different lenses, the aesthetic canons that the history of art has always brought us.

In my opinion, I feel that the door was not opened to women anymore because the "Establishment of art" was afraid to find that sensitivity. From any technique that is appreciated, no one achieves details, from the basics in art such as light, shadow, colors and, delving into the contemplative act, as those that art made by a woman does exceptionally achieve. This reason is as simple as introducing a powerful addition to a collection.

To move on to the second point, I must highlight and thank art for allowing us to put words to situations and things that society still does not understand: Art is a look that always goes further, an anticipation of what society has not yet found mechanisms to do so. When I look at the works of the master Ángela Restrepo, made more than forty years ago, I see some pieces full of subtle sensuality and intimacy, but at the same time revolutionary and ahead of their time, having been produced in the 1970s., when today we are only beginning to have a less binary and rigid look on topics that are still perceived as taboo.

Addressing another issue, there are Ana De Orbegoso's Power Vest. The fact of seeing empowerment in an artwork and recognizing each other as a greater force in certain causes. Taking to a higher plane the words that most of the time remain just words and don’t become actions, and that this artist makes them part of a movement and a struggle that calls for the community and sorority. With these examples, I observe how the specific themes that a woman sees and validates are anticipatory to our times.

Without the intention of generalizing, I feel that male art belongs to very rigid canons and women, on the contrary, take risks that really impress me. Perhaps, because it does not have that prevention of the utilitarian and allows itself to explore in less formal aspects, being able to navigate a broader spectrum.

What Catalina Jaramillo achieves when speaking of alchemy with an almost mystical sensitivity… that, hardly a man can achieve. Those drawings drawn with a magical power that notices things that, without the female gaze, would go unnoticed.

In the case of the performance photographs of Claudia Casarino, we see the clarity with which she emphasizes the normative violence of an oppressed woman, but also transformative of her environment and makes me reflect on the small ways in which we ignore the potential of women through from the idea that they do not make art but "fine arts". Casarino metaphorically uses dresses and even her own body to tell us about roles, archetypes and gender.

These roles become clichés that we have generated around women, establishing in the collective imagination that they only become complete and fulfill their purpose or mission in life, marrying or becoming mothers. The way in which Judith Romero goes over this issue, showing how complete a woman is just by ceasing to be what society expects of her, is what I mean. It is something that allows a reflection, and an interpretation of the paradigm shifts that the proposals of women artists produce.

In addition to the rigidity of ideas or themes, there is a palette that is not restricted and that transcends formalities and technical borders. I feel that the art that a woman makes has being created with a lighter touch and is riskier: she is capable of navigating through different materials such as thread and textiles, as Nicole Mazza, Annette Turrillo, Colectivo Hilos and the aforementioned Ana De Orbegoso. They can make it so easy to turn the page of the traditional drawing as Natalia Revilla does with her embossing and ink on paper, or transcend the typical ceramics by uniting tradition and "artivism" on a Silvia Levenson plate, next to a tea set that reveals with ambiguity what is hidden of human relationships: what is not said, but which inexorably touches us with its glass thorns and makes it evident.

These three elements and the Amazonian Victoria are an invitation to collecting: to open and expand, not to label. I'm not talking about female art because I don't think you have to create a separate chapter or have a consideration. There is always room for a committed piece of art. The invitation is not to acquire "feminine art", it is to give it the equity and the place it deserves. This empowered art, made by women, is sure to enrich any collection.

Eduardo Salazar Yusti, consultant on business strategy, co-founder and investor in education and technology. Convinced of the social power of art, he is part of several cultural projects and is an active member of the board of directors of the Modern Art Museum of Bogotá (MAMBO). With Juliana Hernández, his partner, they collect contemporary art with an emphasis on the artistic production of Latin American women.

Santiago Beruete escribe en su libro Jardinosofía, una historia filosófica de los jardines: “Hay un nenúfar procedente del Amazonas llamado Victoria amazónica. Al ponerse el sol, Helios, padrino del logos, el espinoso capullo de la flor sale del agua y se abre. Su fragancia atrae a los insectos. Al cabo de un rato se cierra de nuevo. Los insectos atrapados pasan ahí la noche y polinizan la flor. La primera noche la flor del nenúfar es blanca. Cuando vuelve a abrirse la segunda noche se tiñe de rojo, como si estuviera embriagada. Es sorprendente este cambio de coloración.”

Victoria amazónica es la metáfora de cómo pienso el coleccionismo. Introducir a una colección arte realizado por artistas mujeres es permitirse abrir los ojos a diferentes narrativas, con contenidos que solo a través de la mirada femenina, se puede enriquecer, teñir y polinizar el cuerpo de una colección.

Existen tres motivos por los cuáles considero que el arte realizado por mujeres expande, en todo el sentido la palabra, mi colección y son estas mismas razones por las cuales recomiendo adquirir piezas que le permitirán a cualquier coleccionista abrir, indagar, descubrir y sufrir (en el buen sentido) esa coloración que solo puede proporcionar el arte realizado por una mujer.

La primera razón es que encuentro que la sensibilidad femenina, sobre cualquier tema, expande el espectro de apreciación. La mirada femenina posee una sensibilidad muy especial sobre lo estético, sobre lo bello y permite leer con unos lentes muy diferentes, los cánones estéticos que la historia del arte nos ha traído desde siempre.

En mi opinión, siento que a las mujeres no les abrieron más la puerta porque al “Establecimiento del arte” le daba cierto temor encontrar esa sensibilidad. Desde cualquier técnica que se aprecie, nadie logra detalles, desde lo básico en el arte como la luz, la sombra, los colores y, ahondando al acto contemplativo, como los que sí logra de manera excepcional el arte hecho por una mujer. Esta razón es tan sencilla como introducir un complemento poderosísimo a una colección.

Para pasar al segundo punto, debo resaltar y agradecerle al arte, el permitir poner palabras a situaciones y cosas que la sociedad todavía no entiende: El arte es una mirada que va siempre más allá, un anticipatorio a lo que la sociedad no ha encontrado todavía mecanismos para hacerlo. Cuando observo las obras de la maestra Ángela Restrepo, realizadas hace más de cuarenta años, veo unas piezas llenas de una sensualidad e intimidad sutiles, pero a la vez revolucionarias y adelantadas a su época, por haber sido producidas en la década de los años 70, cuando apenas hoy estamos empezando a tener una mirada menos binaria y rígida sobre temas que aún se perciben como un tabú.

Abordando otro tema, están los Power Vest de Ana De Orbegoso. El hecho de ver en una obra el empoderamiento y reconocerse juntas como una fuerza mayor en ciertas causas. El llevar a un plano superior las palabras que en la mayoría de las veces se quedan en palabras y no en acciones, y que esta artista las convierte en parte de un movimiento y una lucha que llama a la colectividad y a la sororidad. Con estos ejemplos, observo cómo las temáticas específicas que una mujer ve y valida, son anticipatorias a nuestros tiempos.

Sin la intención de generalizar, siento que el arte masculino pertenece a cánones muy rígidos y la mujer, por el contrario, toma unos riesgos que realmente me impresionan. Tal vez, porque no tiene esa prevención de lo utilitario y se permite explorar en aspectos menos formales, siendo capaz de navegar un espectro más amplio.

Lo que logra Catalina Jaramillo al hablar de la alquimia con una sensibilidad casi mística… eso, difícilmente lo puede conseguir un hombre. Esos dibujos trazados con un poder mágico que percata cosas que, sin la mirada femenina, pasarían inadvertidas.

En el caso las fotografías performáticas de Claudia Casarino, vemos la claridad con la que enfatiza la violencia normativa de una mujer oprimida, pero también transformadora de su entorno y me hace reflexionar sobre las pequeñas formas en las que ignoramos el potencial de la mujer a través de la idea de que ellas no hacen arte sino “bellas artes”. Casarino usa metafóricamente vestidos y hasta su propio cuerpo para hablarnos de roles, arquetipos y género.

Estos roles, se convierten en clichés que hemos generado alrededor de la mujer, instaurando en el imaginario colectivo que solo llegan a ser completas y a cumplir su propósito o misión de vida, casándose o convirtiéndose en madres. La forma en cómo Judith Romero sobrepasa este tema, demostrando cuán completa es una mujer solo con dejar de ser eso que la sociedad espera de ella, es a lo que me refiero. Es algo que permite una reflexión y una interpretación de los cambios de paradigmas que las propuestas de las mujeres artistas producen.

Adicional a la rigidez de ideas o temas, existe una paleta que no se restringe y que trasciende formalismos y fronteras en técnica. Siento que el arte que hace una mujer tiene “la mano más suelta” y más arriesgada: es capaz de navegar por diferentes materiales como el hilo y los textiles, como bien nos muestra Nicole Mazza, Annette Turrillo, Colectivo hilos y la ya mencionada Ana De Orbegoso. Pueden hacer ver tan fácil pasar la página del dibujo tradicional como lo hace Natalia Revilla con su gofrado y tinta en papel, o trascender la típica cerámica uniendo tradición y “artivismo” en un plato de Silvia Levenson, al lado de un juego de té que revela con ambigüedad lo oculto de las relaciones humanas: lo que no se dice, pero que nos toca inexorablemente con sus espinas de vidrio y lo hace evidente.

Estos tres elementos y la Victoria amazónica son, una invitación al coleccionismo: a abrir y a expandir, no a etiquetar. No hablo de arte femenino porque no creo que hay que crear un capítulo aparte ni tener una consideración. Siempre existe la cabida de una pieza de arte comprometido. La invitación no es adquirir “arte femenino”, es a darle la equidad y el lugar que se merece. Este arte empoderado, hecho por mujeres, enriquecerá sin duda cualquier colección.

Eduardo Salazar Yusti, consultor en temas de estrategia empresarial, co-fundador e inversionista en temas de educación y tecnología. Convencido del poder social del arte, hace parte de varios proyectos culturales y es un miembro activo de la junta directiva del Museo de Arte de Bogotá (MAMBO). Junto a Juliana Hernández, su pareja, son coleccionistas de arte contemporáneo con un énfasis en la producción artística de mujeres latinoamericanas.

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